Composer un solo de guitare

Qu’on se le dise, c’est très probablement un solo qui vous a donné envie d’apprendre la gratte. Vous savez, de ces phases lead où, presque seul au monde, un guitariste métamorphose en quelques secondes et plus ou moins quelques notes une chanson.

Soyez heureux, car dan cet article nous détaillerons les étapes de composition de solo et les erreurs à éviter afin de vous aussi vous faire plaisir et créer vos propres solos !

Mais d’abord…

QU'EST-CE QU'UN SOLO DE GUITARE ?

Dans la musique, le solo est une partie mélodique dans laquelle un instrumentiste prend les devants mélodiquement. Le solo peut être écrit ou improvisé (d'ailleurs dans le jazz, où il est souvent improvisé, il peut être nommé : "Chorus").

Dans cet article nous allons surtout nous intéresser à la composition d'un solo, donc quelque chose d'écrit. Pour info, un solo improvisé se prépare (et se travaille) également, néanmoins, il est plus libre lors de son interprétation.

Un solo peut-être fait avec n'importe quel instrument guitare, basse, chant, batterie, instrument à cordes, à vent, percussions … même peut-être un triangle ^^

SUR QUOI DOIT JOUER UN SOLO DE GUITARE ?

Le solo est un moment d'expression assez unique, où pendant quelques instants le soliste à un contrôle sur l'émotion que va véhiculer le morceau.

Comme toute partie musicale il peut être pensé sur les 3 couches de la musique :

- Le rythme

- L'harmonie

- La mélodie

LE RYTHME

Ca semble évident que le rythme aie une importance mais je pense tout de même que l'on peut faire un solo très intéressant juste en jouant sur le rythme.

Vous pouvez faire l'expérience vous-même : prenez 3 notes et faites une improvisation seulement avec ça et vous verrez que ça peut rendre carrément bien.

Prenons le célèbre B.B. King, il est réputé pour son utilisation assez intéressante de la pentatonique tout autant que pour son placement rythmique très original et donnant donc une sonorité et une saveur toute particulière à ses impros.

Pensez donc aux rythmes et débits que vous utilisez, pensez à les varier pour donner du relief à votre solo, sortez des sentiers rythmiques habituels (et évidents dans certains cas) vous gagnerez en maîtrise rythmique et en originalité.

L'HARMONIE

Cette partie devient un peu plus complexe et nécessite une bonne connaissance théorique.
Néanmoins il est très intéressant de maîtriser cette partie là.

L'harmonie est l'univers musical dans lequel un morceau (ou une partie du morceau) évolue. En clair ça revient à dire dans quelle gamme ou mode se déroule une partie et surtout ça permet de voir les contraintes harmoniques et donc de voir si il est possible de changer de gammes ou de modes dans votre solo.

De façon générale, on commence à écrire les solos à la guitare avec une gamme pentatonique mineure. Mais très vite on se rend compte que c'est limitant et que donc les émotions sont pas forcément celles que vous souhaitez.

C'est pourquoi je vous conseille de vraiment vous penchez sur ce(s) sujet(s). Vous vous ouvrirez encore plus de portes.

LA MELODIE

Bon là c'est carrément évident, un solo doit (enfin pas forcément) être mélodique.
En tout cas, il doit jouer sur cet aspect là.

Il est possible de faire tellement de choses par ça : créer une mélodie qui marque, créer un enchaînement mélodique qui donne un fort caractère à votre solo, reprendre le thème (chant) principal du morceau pour y faire un clin d'œil ou en proposer une déclinaison, ou encore reprend un thème connu pour faire une référence.

L'aspect mélodique, lui aussi doit être pensé de façon large. Il est souvent évident d'utiliser des notes conjointes (notes qui se suivent dans une gamme) mais il peut être très intéressant et riche d'utiliser des intervalles plus larges, ça donnera également beaucoup de relief à votre solo.

J'en veux pour exemple le célèbre (et extrêmement talentueux) Tosin Abasi, qui a pu se faire remarquer autant par sa technicité et sa vélocité avancées que par ses mélodies utilisant des intervalles assez grands (qui sortent de la seconde ou de la tierce).

Et la technique dans tout ça ?

Ahhhh la technique, on aborde le sujet à polémiques !

Je vais mettre directement les pieds dans le plat : les techniques sont des outils : il est idiot d'y cracher dessus comme il n'est pas utile de les utiliser simplement pour montrer qu'on les maîtrise.

Néanmoins, je vais être honnête, j'adore la vélocité, je prends un plaisir à faire des solos rapides et à en entendre. C'est pas pour rien que j'écoute régulièrement des "shredders" (guitaristes qui jouent très vite) parce que j'apprécie ce que ça véhicule !

Sortons du cliché que si ça va trop vite ça n'a pas de sens ou d'émotions, je vous conseille d'écouter les caprices de Paganini ou encore la plupart des chef d'œuvre de Chopin et venez me redire ça en face sans avoir honte !

La technique permet de dire les choses différemment et avec encore plus de relief. Il est tout à fait concevable de ne pas utiliser une technique dans un solo parce que vous ne voyez pas son utilité à cet instant là (un artisan n'utilisant pas forcément tous ses outils lors de la création d'une œuvre) mais je ne comprends pas les discours qui crachent sur une technique juste parce qu'elle est véloce ou complexe.

Et pour en finir avec ça, je trouve beaucoup de musicalité à tous ses shredders (Vaï, Malmsteen, Becker, Gilbert, Abasi, Govan, Petrucci, Cooley etc) et la vitesse peut-être tout aussi musicale que le silence.

On ne va pas se mentir, le solo est un moment d'expression privilégié et souvent très plaisant pour le soliste car il peut enfin dire/jouer tout ce qui l'a envie de dire/jouer. Il est donc normal qu'il puisse être un passage technique d'un morceau.

Bien évidemment tout ça n'a de sens que si l'ambiance et l'émotion qui doit être véhiculé à ce moment là colle avec la technique. Je m'explique, si on commence une bonne vieille power ballad par un gros plan sweeping des familles à fond la caisse, il est possible que ça jure un peu.

C'est donc au soliste d'adapter sa technique en fonction du contexte.

Quant à savoir quelle technique utilisée, un bon technicien saura quoi faire avec chacune des techniques. Il est à se rappeler qu'une même chose peut être jouée souvent par différentes techniques mais ne sonnera pas pareil donc c'est au soliste à choisir la plus adaptée au discours du solo.

COMMENT CONSTRUIRE SON SOLO DE GUITARE ?

Voilà, là on touche la partie importante de l'article. Comment le construire, ca fameux solo ?
Il faut tout d'abord que je vous parle du concept de "climax" (prononcez 'claïmax' à l'anglaise quoi).

Dans beaucoup de domaines artistiques on parle de ce concept là comme le point culminant de l'émotion, le moment où l'intensité d'une œuvre est à son maximum !
On peut voir l'intensité émotionnelle d'une œuvre comme une courbe qui évolue dans le temps et le climax serait le point le plus haut.

Pour ma part j'aime bien cette conception et je rajouterai le principe de "sous-climax". En gros le climax est le moment le plus haut dans l'intensité émotionnelle mais les sous-climax sont les pics également mais moins haut que le climax mais dans ils sont les maximums dans un extrait du morceau. Vous suivez ? En gros, ils sont les maximums "locaux" dans le morceau.

Pourquoi je vous parle de tout ça, parce que souvent on décrit un solo comme devant atteindre son climax et à ce moment là, on donne tout. On commence doucement, on monte délicatement jusqu'au climax puis là ça redescend un peu et fin.

Un parfait exemple est le solo de Ron Thal dans son morceau Breaking :

Le climax se situerait donc vers 2'44.

Je trouve cette construction intéressante mais très restrictive à terme (bien qu'ayant fait ses preuves). Je pense qu'il faut la voir plutôt avec des sous-climax mais avec un climax dedans et entre chaque pic vous choisissez le chemin en fonction de ce que vous voulez exprimer.

Et avec cette dernière construction on peut imaginer un climax dès le début du solo pour marquer une coupure brutale ou en toute fin de solo pour le bouquet final.

Et bien évidemment tout ça est en mettre en lien avec les 3 piliers de la musique (rythme, harmonie et mélodie) et en utilisant les techniques (qui sont des outils). Et là vous allez avoir déjà une idée de ce que pouvez faire.

Et par hasard tu n'aurais pas quelque chose de plus concret quand on débute stp, Sophian ?

Oui, j'ai bien conscience que tout ça est très large et même un peu abstrait. Mais quand on traite d'un sujet aussi vaste que le solo on est obligé d'être un peu large et un peu abstrait.

Tellement de choses sont possibles et donc il y a tellement de portes ouvertes devant vous que je ne peux pas vous dire laquelle prendre obligatoirement car elles peuvent toutes aboutir à quelque chose de très bien !

Mais pour toi qui débute, oui toi là, oui je te vois, ne te cache pas, je vais proposer une composition standard de solo avec quelques ouvertures.
Bien évidemment c'est une proposition et ce n'est pas la seule chose bien à faire mais au moins ça vous aiguillera.

On va partir sur une construction standard avec le fameux climax dont on parlait précédemment.

DEBUT DU SOLO

Partie plutôt calme et très mélodique.
La gamme pentatonique mineure s'y prête très bien. Des effets de jeu pour lier le tout et donner plus d'émotions à tout ça (vibrato, slide, bends).

Quelques passages sur la gamme majeure peuvent être envisagés pour varier les sonorité et donner quelque chose d'un peu moins blues/rock.
On peut partir sur les médiums, c'est souvent pas mal.

MILIEU DU SOLO

La guitare se fait plus nerveuse, un peu plus criarde.
Les bends deviennent plus puissants, et font plus chanter la guitare.
Quelques passages un peu véloces

On commence à rentrer dans les notes aigues de la guitare
Un peu plus vers la gamme majeure ici

Il peut plus marquer rythmiquement

CLIMAX

 Là, on donne tout
Beaucoup de technicité mais avec le maximum de mélodie
L'émotion doit être à son paroxysme

Je conseille de la gamme majeure, et d'être dans les aigues sur votre instrument pour que ressortiez au maximum du mix et que la mélodie soit la plus claire possible.

FIN DU SOLO

Vous calmez doucement le jeu
Moins de vélocité

On retrouve un peu les bends et les vibrés doivent être précis.
Vous pouvez rester dans les aigus ou vous pouvez descendre totalement dans les graves.

Pour la gamme, là vous êtes assez libres : penta mineure ou gamme majeure essayer simplement d'aller vers de la mélodie plus simple.

Et les autres instruments ?

Oui, pendant ce moment là, les autres instruments tiennent la rythmique et font tourner le morceau, mais ils ne font pas que ça. Si vous voulez que l'émotion soit absolument là, ils doivent vous suivre. Monter quand vous montez, descendre quand vous descendez : en gros ils doivent suivre votre mouvement "émotionnelle".

Ils doivent vous porter de façon à ce que tout ça est le plus de cohésion possible. Un bon soutien vous donnera plus d'assurance et d'émotion dans votre solo et c'est plaisir assez fou que ça se déroule parfaitement.

Il est même possible d'envisager de changer un petit peu la rythmique pour marquer des accents avec vous et pour harmoniser certaines de vos parties pour donner encore plus de relief et de vie à tout ça.

CONCLUSION

Maintenant vous avez quelques idées sur la composition de votre solo. Je le redis toutes ces choses là ne sont que des outils, libres à vous de vous en servir ou de les rejeter.

L'idée principale est de bien définir ce que vous voulez faire et/ou dire avec votre solo. Il est intéressant de le penser d'abord pour soit (parce que c'est un plaisir aussi) mais pensez le aussi pour les auditeurs et toujours dans la cohérence de ce que le morceau raconte.

Inspirez vous des solos que vous aimez, allez faire ce que vous adorez car ça reflète souvent ce que vous êtes au fond et il sera plus évident pour vous. Et dès que vous vous le sentez sortez de votre confort et allez explorer d'autres choses pour que ça enrichisse votre jeu.

Bons solos et bonnes créations ! ;-)

Rédacteur : Sophian Alkurdi